Il divertimento non è più assicurato: la festa sembra aver imboccato quel percorso che conduce diretto all’alba, dove la sensazione di stanchezza offusca la vista e quella luce che trafigge le palpebre è attorniata da un’opalescenza narcotica che dirada la concentrazione e favorisce una uniformità emotiva di cui ci si scorderà al risveglio.
“In un’ingenua comparazione tra la vita umana e la vita di un evento, compiere 18 anni dovrebbe rappresentare l’approdo effettivo alla maggiore età anche per un festival”, ma cosa davvero può rappresentare questo traguardo, questa cifra simbolica, questa banale e apparente assunzione di (nuove?) responsabilità è una questione più articolata, della quale - a posteriori - è il cinema stesso (come sempre) a fornire alcune delle possibili risposte e interpretazioni.
Infatti, se l’esistenza del progetto festivaliero udinese rimane e si conferma vivo e soprattutto indispensabile per uno sviluppo e dialogo culturale a livello nazionale, e ormai definitivamente sempre più anche internazionale, sul piano della qualità, o meglio, dell’urgenza, del prodotto cinematografico proveniente dal macroscopico contenitore geografico dell’Estremo Oriente si affaccia l’evidenza che quell’onda di rinnovamento, fervore e floridezza che hanno originato l’evento nel 1999 fanno parte di una stagione conclusa, i cui segni restano evidenti in un presente che ha subìto una svolta epocale in ambito commerciale e produttivo. La Cina, negli ultimi 18 anni, è diventata il secondo mercato cinematografico mondiale (6,8 miliardi di dollari) al posto del Giappone, sceso al terzo gradino del podio (2 miliardi di dollari), e la crescita della Corea del Sud (al settimo posto con 1,7 miliardi di dollari).
Di fronte alle cifre si può dunque capire l’importanza commerciale di un territorio ma di conseguenza anche una forte spinta all’uniformazione dei gusti e delle caratteristiche formali sempre più tese verso la facile presa sul grande pubblico. Prova ne è anche il verdetto del pubblico di Udine che per il secondo anno consecutivo vede ai primi due posti film coreani di grande impatto spettacolare: il dramma bellico A Melody To Remember di Lee Han è il vincitore del Gelso d’Oro 2016 mentre il secondo posto se l’è aggiudicato la dolcissima favola spaziale Sori: Voice From the Heart di Lee Ho-jae. >>
                                                                                      Alessandro Tognolo

  Un gradito ritorno quello del Psyco-Horror Day a questa 18ma edizione del Far East Film Festival. Non solo per gli appassionati del genere, ma anche per chi è interessato ad esplorare le ultime novità prodotte in un settore che, nella cinematografia orientale, ha sempre occupato un posto importante e nel quale si sono misurati autori di rilievo come Takashi Shimizu, Takashi Miike, Hideo Nakata, Sion Sono, Yong Ki-jeon, Kiim Ji-woon.
La giornata ha offerto la visione di ben otto film di nazionalità differenti: Sud Corea, Taiwan, Giappone, Thailandia, Hong Kong, più un documentario britannico sul rapimento del regista sudcoreano Shin Song-ok e della moglie messo a segno negli anni '70 ad opera del dittatore nordcoreano Kim Jong-il. In apertura e in chiusura due “exorcist–horror”: The Priest di Jang Jae-Hyun (South Korea) e Keeper of Darkness di Nick Cheung (Hong Kong).
Mentre Keeper of Darkness vira sulla parodia del genere, rifacendosi ai film di fantasmi degli anni '80 e puntando su effetti comici e surreali (racconta la storia di uno stravagante esorcista dai capelli bianchi, che vive in una casa infestata dai fantasmi), il primo si attiene rigorosamente al genere e affronta “con serietà” la problematica tipicamente cattolica inerente al tema dei “posseduti” e degli esorcismi.
Opera prima del regista Jang Jae-Hyun, The Priests ha avuto un enorme successo in Corea, piazzandosi nella classifica dei dieci campioni di incasso del 2015. In esso ritroviamo tutti gli elementi classici del genere: una ragazza posseduta, i contrasti all'interno delle gerarchie ecclesiastiche sul modo di procedere, l'esorcista navigato (qui sempre con la sigaretta in bocca) outsider rispetto alle autorità e il suo giovane collaboratore, un decano del tutto digiuno delle procedure, (interpretato dal bellissimo Kang Dong-won, attore di culto in Corea soprattutto tra il pubblico femminile) a cui spetta l'incarico di sorvegliare l'operato del collega, ma anche di accudire il quarto personaggio a sorpresa, un simpatico maialino nano, che avrà un ruolo decisivo nello scioglimento del dramma. >>
                                          Cristina Menegolli

Tre i titoli "speciali" che il pubblico padovano ha potuto scoprire nel primo semestre di quest'anno. Nei venerdì di aprile si è vista (finalmente!) l'opera monumentale del regista portoghese Miguel Gomes Le mille e una notte. Arabian Nights, acclamata al suo debutto a Cannes (Quinzaine des Realisateurs) e presentata con successo all'ultimo Torino Film Festival. Diviso in tre volumi di poco più di due ore ciascuno (Inquieto, Desolato e Incantato), il film (in versione originale sottotitolata) è una struggente antologia di storie che mescolano realtà e immaginazione e descrivono, con ragione e sentimento, il Portogallo di oggi. A raccontarle è Sherazade, eroina e narratrice spaesata, nel tempo e nello spazio, ma precisa nel dire al suo re piccole e grandi storie di un popolo e un paese diviso tra crisi e desiderio di passare, come nei titoli titoli delle tre parti dell'opera, dall'inquietudine all'incanto. Miguel Gomes ha solo 44 anni e una creatività che sa attingere dalla cornice della raccolta di novelle mediorientali per raccontare il Portogallo contemporaneo. Paese povero, depresso e in crisi da austerity, rivive in 16 storie contenute in un cine-dispositivo unico nel suo genere che radiografa poeticamente gli strati socio-professionali del Portogallo e ne fa dei segmenti indimenticabili, tra crudo realismo e fantasia spinta. Immaginifico, visionario, potente, ironico, poetico e politico: in altre parole un film memorabile e, nel circuito italiano, decisamente emarginato.
           Stessa sorte toccata a Wilde Salomé e Antonia che hanno avuto occasione di programmazione al Lux in alcune giornate di maggio.
Wilde Salomé, diretto e interpretato da Al Pacino (anch'esso in versione originale sottotitolata) proietta il pubblico nella vita personale del grande attore americano come mai era successo prima, offrendo un ritratto intimo e profondo della più grande icona del cinema alle prese con il ruolo più impegnativo mai interpretato: se stesso e il re Erode. Traboccante di verità e candore, Wilde Salomé conduce Pacino in giro per il mondo, a Londra Parigi, Dublino, New York, Los Angeles, e dentro il suo camerino; niente appare off limits mentre Pacino esplora le complessità del dramma di Wilde, nonché i processi e le tribolazioni che hanno segnato la vita dello scrittore, offrendo al tempo stesso uno sguardo senza precedenti anche sulle proprie.
Il caso di Antonia, primo lungometraggio di Ferdinando Cito Filomarino, è emblematico delle difficoltà per chi voglia esordire nel cinema italiano: il problema è anche ”a valle” del processo di realizzazione poiché le dinamiche distributive costituiscono un ulteriore ostacolo. L'uscita al Lux è stato un "evento" veneto e l’occasione per il pubblico di “entrare” nel mondo di Antonia Pozzi, grandissima poetessa del Novecento italiano. Il film ripercorre i momenti cruciali della vita della sua vita, vissuta durante il ventennio fascista, quando, a Milano studia al liceo Manzoni. L’aspetto è quello di una ragazza altoborghese, ma lo sguardo tradisce una prospettiva inedita da cui guarda il mondo, intima e febbrile. L’amore impossibile per il suo ex professore si trasferisce nelle fotografie che scatta e sulle pagine che scrive negli ultimi dieci anni della sua vita: anni di escursioni sulle vette della Valsassina, di incontri con amici, amanti e professori, sempre sospesa sul sottile filo teso fra arte e vita. Fino a quando, a soli ventisei anni, il 3 dicembre del 1938, Antonia Pozzi si toglie la vita. Fino a quel giorno non aveva mai pubblicato nessuna delle sue poesie. Un film austero e pudico che meritava una chance di presenza nel circuito padovano!

    Per i cinefili Heimatdipendenti, la cinematografia di Edgar Reitz ha ancora lati da scoprire. A Padova ci ha pensato il Lux che con la minirassegna Edgar Reitz: non di solo Heimat ha proposto sei titoli inediti del regista di Morbach, coprendo quarant’anni, dal 1966 al 2006. Il film più lontano nel tempo, Meizeiten, è l’esordio che fruttò a Reitz il Leone d’Argento al Festival di Venezia; gli hanno fatto seguito Cardillac (1969), Il viaggio a Vienna (1973), Ora zero (1977) e Il sarto di Ulm (1979). Presentato anche l’ultimo lavoro prima di L’altra Heimat - Cronaca di un sogno, si tratta di Heimat-Frammenti: Le donne, un'originale rivisitazione della saga di Heimat attraverso gli occhi di una protagonista “minore”, Lulu Simon: una ricomposizione di un passato fatto di spezzoni scartati dagli Heimat precedenti. Una specie di “contenuti speciali” non utilizzati e riorganizzati per comporre un’opera autonoma che parte dalle riflessioni esistenziali della figlia di Herman (“certi giorni mi sveglio e ho la sensazione che tutto sia già successo”) per arrivare a ripercorrere una storia del passato non affrontata in modo rigorosamente cronologico, ma vissuta attraverso volti e personaggi, (principalmente femminili) perfettamente riconoscibili per gli appassionati della saga: da Clarissa a Helga, da Maria a Schnüsschen, da Renate a Dorli.
Tutti i film hanno offerto una doppio orario di spettacolo (18.30 e 21.00), entrambi in versione originale sottotitolata in italiano