Nell’anno dell’addio di Carlo Chatrian, chiamato a Berlino dopo sei anni di impeccabile direzione e successo, Locarno 71 mantiene fede alla sua tradizione di festival sia “mainstream” (fa parte, unico svizzero, della serie A dei 14 riconosciuti dalla FIAPF) sia di ricerca e sperimentazione anche estreme.Trecento i film presentati, 15 in concorso, 18 sotto le stelle di Piazza Grande (caratteristica questa unica che anche i Festival più grandi possono solo invidiargli).

Partiamo dal vincitore. Anche se non ci ha del tutto convinto bisogna riconoscere che A Land Imagined di Yeo Siew Hua (cinese di Singapore), a cui la giuria ha assegnato il Pardo d’oro, è un riuscito mélange di film sociale e di denuncia (ambientato tra gli operai sfruttati e sottopagati provenienti da tutta l’Asia per lavorare nei cantieri edili della città-stato) e del più classico dei noir, col poliziotto (buono) Lok alla ricerca dell’operaio scomparso Wang. Film angoscioso, di incubi, locali notturni, videogiochi, che a poco a poco scivola in uninteressante esperimento di realismo magico-onirico, coi due protagonisti, entrambi insonni, che sognano uno dell’altro nonché di altri mondi possibili, fantastici o immaginati.
Allargando lo sguardo va riconosciuto a Locarno un panorama variegato e stimolante e se non sono mancate le delusioni (tra cui Likemeback di Leonardo Seragnoli e Menocchio di Alberto Fasulo) ci sono alcuni titoli che meritano qui una segnalazione, a partire da Diane, opera prima dell’americano Kent Jones, classico film indie (non per niente prodotto da Scorsese) sulle vicissitudini di una generosa cinquantenne pronta ad aiutare tutti, tra parenti e amiche sofferenti solitarie o ammalate, e con un figlio tossico insopportabile egoista. Un road movie che si muove in circoli, sullo sfondo di un Massachusetts invernale eletto a protagonista e con la straordinaria l’interpretazione di Mary Kay Place (da premio!).
Un plauso unanime (per molti il miglior film concorso) va a Gangbyun Hotel (Hotel By the River), ulteriore conferma del coreano Hong Sang Soo che fotografa, In un sontuoso bianco e nero, purissimo come la neve che ammanta il paesaggio, due vicende parallele si sfiorano senza incrociarsi. Da una parte il vecchio poeta qui ritiratosi (in cerca di pace o forse in attesa della morte) riceve la visita controvoglia dei due figli, rampanti businessman provenienti da Seul, uno appena separato, l’altro single ma infelice. Nella stanza accanto due amiche di vecchia data passano qualche giorno assieme per parlarsi, per ritrovarsi (una delle due è reduce da una cocente delusione amorosa). E sono dialoghi sempre toccanti e profondi da una parte e dall’altra, sul passare del tempo, il disgregarsi degli affetti, la necessità della bellezza e del rapporto col l’altro sesso. Camera fissa, malinconia diffusa, un piacere degli occhi e della mente.
All’estremo opposto di questo Nirvana molto orientale, il regista e fotografo inglese Richard Billingham col suo Ray and Liz ci precipita nel submondo del proletariato inglese. Premiato con una “menzione speciale dalla giuria, il film riprende i temi di certe sue serie fotografiche di grande successo. Si tratta di un “ritratto di famiglia in un interno“ (la sua sembra tra esserlo anche nella realtà) a dir poco sconcertante. Dappertutto piatti da lavare, portacenere ricolmi, insetti sulle pareti, litigi, alcool, rimbrotti, figli abbandonati a se stessi o dediti a piccoli traffici. Un panorama impietoso ma estremamente ben reso, difficilmente immaginabile da noi (ma non da chi abbia una certa confidenza con l’Inghilterra fuori dai circuiti turistici.). Solo un cenno per Como Fernando Pessoa Salvou Portugal, ulteriore grande-piccolo (26 minuti) capolavoro di Eugene Green, su un esilarante - inventato of course - episodio della vita di Fernando Pessoa, perché non si può non dare riscontro e speciale spazio a La flor dell’argentino Mariano Llinás. Sarà per questo film monstre (quasi 14 ore) che, in fondo, questo Locarno 71 verrà ricordato. >>

Giovanni Martini

   Una performance che va avanti da anni come un mantra contro la guerra. È questo il lavoro di Sarah Revoltella che il Museo Archeologico di Venezia che ha ospitato dall'11 settembre. Un'istallazione scarna con un allestimento a terra di sei monitor attorniati dai cocci rotti di armi di ceramica, simili ai resti di ossa bruciate. E sui monitor l’azione (cominciata nel 2015 a Bassano del Grappa in occasione dell'apertura delle ricorrenze per il centenario della Grande Guerra) della performance diffusa ospitata dalla 57 Biennale d’Arte di Venezia (maggio 2017 presso la Tesa 105 dell''Arsenale Nord). L'azione consisteva in una diretta streaming che vedeva coinvolti 6 paesi: Italia, USA, Russia, Pakistan, Turchia e Francia; in ognuna delle capitali agiva un performer che realizzava simultaneamente la stessa azione. Sarah, con gli schermi alle spalle che rimandavano le azioni dei vari performer sincronizzati, agiva a sua volta all'interno dell'Arsenale Nord. I performer partivano dalla descrizione delle armi di ceramica al pubblico, illustrando con perizia le particolari carettaristiche letali di ogni pezzo (calibro, velocità di volata del proiettile, capacità di tiro, contesto di utilizzo) con un atteggiamento compiaciuto e asettico, quasi da venditore. Dopodiché i performer prendevano in mano le armi e le gettava violentemente per terra, facendole deflagrare in mille pezzi tra lo stupore generale. I frammenti di ceramica venivano poi piantati, in prati, aiuole o vasi, quali semi e simboli di rinascita.
Il lavoro della Revoltella (ambasciatrice della Fondazione Pistoletto che sostiene il progetto) parte dal principio di voler sottrarre terreno alla guerra per ricondurlo al mondo dell’arte. Come la guerra si impossessa ogni giorno di elementi legati alla bellezza, basti pensare all'estetica delle divise tanto per dire, così l'arte deve ingegnarsi per rubare terreno, sottraendo senso e significato dal mondo dei conflitti. L'arte secondo Sarah deve riappropriarsi dell'estetica bellica, un’estetica seducente e per molti versi condivisa nell’immaginario collettivo, per depotenziarne la simbologia legata al mito della guerra. Le armi sono belle, la ceramica è fragile, l'azione di rompere qualcosa di bello e fragile crea un cortocircuito nello spettatore che lo induce a riflettere: appunto su cosa c’è nel mondo di veramente bello e fragile.
Il 2018 che si avvia verso la conclusione è un anno emblematico che deve essere soprattutto un momento di riflessione connesso al tema della fine dei conflitti e in quest'ottica anche l'azione Io Combatto getta un seme che vuole essere uno stimolo a ragionare nell’ottica del necessario disarmo internazionale.

2015-18 una ricorrenza per celebrare il disarmo

in rete dal 31 ottobre 2018